Нижегородские художественные промыслы

Нижегородская область, по признанию искусствоведов и этнографов — одна из самых богатых в России по разнообразию народных промыслов. Здесь сосредоточено две трети всех народных промыслов России, более 200 неповторимых ремёсел. На сегодняшний день активно развиваются 14 видов НХП. Среди них — хохломская, семеновская, городецкая, полхов-майданская росписи, казаковская филигрань, золотное шитье, обработка кожи, камня, дерева, металлов и другие разновидности.
Они представляют собой богатое наследие традиций, и их поддержка не только является отражением культурного достояния, но и позволяет сохранить уникальные навыки, передаваемые из поколения в поколение. Сохранение промыслов остается одной из значимых задач.

У региона есть свои визитные карточки, известные не только в стране, но и за ее пределами. Самый знаменитый промысел области — ХОХЛОМСКАЯ РОСПИСЬ. Он давно имеет всемирную известность.

«Я выехал на заре. Впереди на деревне заиграл в рожок пастух… Почти перед каждой избой сидел ложкарь и долбил ложки. Ярко-белые стружки в изобилии лежали кругом, свидетельствуя о том, что работа тут началась раньше солнышка».

Анатолий Леман. «Ложки и ложкари. Впечатления и заметки». 1902 год

Говорят, хохломская роспись началась с ложкарного дела, которое занесли сюда в ХVII в. старообрядцы, не принявшие церковную реформу Никона. Ложкари жили отдельными селениями и уже с десяти лет начинали осваивать ремесло. В работе участвовала вся семья: старики, дети и подростки делали заготовку, мужчины обрабатывали ее с помощью резца, женщины скоблили.

На ложках рисовали деревья, цветы, птиц, барынь, башни и колокольни. Делали их, как правило, из березы, реже — из клена, осины и других пород дерева. Тысячи ложек грузили в короба и везли продавать в село Хохлома Ковернинского района.

Но торговали там, конечно, не только ложками. Хохломская роспись украшала блюда, миски, ковши, горшки — все, что стояло на столе. Покрытая черными, алыми и золотыми узорами хохлома напоминала драгоценную посуду. Ценили ее и за практичность: дерево не трескалось от высоких температур, поэтому такой ложкой было удобно есть горячие щи.

В начале ХХ в. кустари г. Семенова объединяются в артели, под руководством художника Г. Матвеева создается школа росписи и токарного искусства. Так Семенов превращается в столицу золотой хохломы.

Различают разные стили росписи: кудрина с использованием «кудрявого» орнамента золотого и черного цветов; травка, в которой появляется зеленый цвет листьев, изображение ягод; под-фон — растительный орнамент на черном фоне; а также редкие — древко и пряник. Хохлому называют золотой, но характерный ее цвет и блеск достигается использованием алюминиевой краски и льняного масла, которые сплавляются при обжиге в печи при температуре около 300 °С.

Сейчас традиции хохломской росписи продолжают Фабрика Ордена «Знак почета» ЗАО «Хохломская роспись» в Семенове, ОАО «Хохломской художник» и ООО «Промысел» в д. Семино Ковернинского р-на.

Городецкая роспись берет свое начало с резьбы и инкрустации по дереву: ею украшались донца городецких прялок, которые изначально делались из мореного дуба, имевшего разные оттенки древесины. Однако запасы этого сырья подошли к концу, и в конце ХIХ в. донца стали расписывать.

Прялки состояли из двух частей — донца и гребня. Донце представляло собой широкую доску, к которой прикреплялся гребень — с его помощью женщина фиксировала пучок льна или шерсти. Затем она клала донце на скамейку, садилась на него и пряла, наматывая нить на веретено. После работы гребень вынимали, а донце вешали на стену в качестве картины.

«В годы своего ученичества я постоянно сравнивал роспись Мазина с работой моего наставника Игнатия Клементьевича Лебедева. Наблюдая работу Мазина, приметил, что он никаких предварительных разметок композиции не применял. Детали он тщательно не прорисовывал, но старался выявить характеристику каждого персонажа, выделяя что-то главное. Он умел, например, передать фигуру девушки, изображая несколькими мазками ее платье, или лихо крутануть мазком, рисуя залихватские усы у жениха».

Аристарх Коновалов. «Городецкая роспись. Рассказы о народном искусстве». 1988 год

Прялки стоили очень дорого. Крестьянки хранили их всю жизнь как подарок от родителей или жениха, а бедные девушки занимали у подруг. Собираясь на посиделки, крестьянка несла ее так, чтобы роспись могла оценить вся деревня. Во время святочных гуляний прялки вешали на жердочку или выкладывали в ряд на так называемой девичьей лавке.

Любимые мотивы художников — изображаемые "дамы" и "кавалеры" во время свиданий, чаепитий, застолий, прогулок в саду или по улице, поездки на лошадях, городецкий конь, птицы, стилизованные цветочные орнаменты с "розанами" и "купавками".

Благодаря точным деталям по городецкой росписи можно изучать крестьянскую жизнь Поволжья второй половины XIX — начала XX века. Если изображали чаепитие или застолье, то на картине обязательно присутствовали большие стенные часы, картина в раме или самовар — атрибуты богатого городского дома. Другой популярный сюжет — гулянье барышень с кавалерами — фиксировал изменения моды: от пышных юбок к приталенным платьям, от маленьких шляпок к кофтам со стоячим воротником. Пирушка в трактире, поездка в бричке, женский хор — эти сценки, вероятно, навеяны Нижегородской ярмаркой.

Сейчас в Городце расписывают мебель и кухонную утварь. Их отличают яркие краски с преобладанием красного, желтого, зеленого, и черного. В Городце работает специализированная фабрика ЗАО "Городецкая роспись".

Городецкая глухая резьба

«Уже за Балахной начинают строить любимые волжские суда — расшивы расписные и размалеванные, по носу и корме разукрашенные разными чудовищами. Строят их зимой, а весной продают хлебным торговцам».

Сергей Максимов. «Куль хлеба и его похождения». 1873 год

Домов, украшенных глухой резьбой в Нижегородском крае сохранилось немало. Этот вид декоративного искусства получил название "корабельной рези", а позднее "домовой" или "глухой" резьбы. Изначально «разными чудовищами» украшали военные корабли. К XIX веку резчики взялись и за торговые суда, которые, однако, быстро ломались и расходились на строительные материалы. Судя по всему, резные доски покупали для украшения домов — так промысел постепенно перебрался на берег.

Больше всего домов с глухой резьбой сохранилось в Городце, поэтому ее и называют городецкой. Глухая резьба — это объемный рисунок без прорезей, здесь в четкой последовательности и симметрии располагались богатый растительный орнамент — волнистые ветви с цветами и фантастическими плодами, вазоны с пышными букетами, виноградные лозы, солярные символы, а также птицы львы и мифологические образы — русалки и берегини, сирины и алконосты. Эти образы мастера видели на резных иконостасах и в рукописных старообрядческих книгах — и оттуда заимствовали.

Особенно богато украшались лобовые доски, фронтоны, наличники, где резные образы сплетались в сложные композиции. Расцвет глухой резьбы пришелся на 1850–70-е годы, а с 1880-х ее начала вытеснять пропильная резьба со сквозным фоном, которая была проще в исполнении и доступнее по цене. Но еще можно встретить в Нижегородской области старые дома с глухой резьбой, а отдельные ее образцы, собраны и хранятся в музеях.

Городецкие пряники

«Под Нижним село Городец печет пряники, о которых слава идет далеко, они уступают только вяземским, которые привозят сюда, но чаще выпекают здесь на тот же манер и с таким же безграмотным надписанием „коврышка вяземска“; Городецкие испечены на меду и сохраняются долго».

Сергей Максимов. «Куль хлеба и его похождения». 1873 год

«Ой, пряники медовые, мягкие, фунтовые! То и малым ребятишкам, то и старым старикам! Сами печем, отдаем нипочем — с пылу, с жару, алтын за пару!» — так зазывали покупателей на пряничном ряду в Городце. Выпечка лежала в коробах, которые потом отправляли на восток по Волге и на север к охотникам области Коми для обмена на меха. Пряники на Руси сопровождали любое значимое событие. На свадьбе пряник дарили невесте, а на следующий день молодожены отправлялись с пряником к ее родителям — те должны были положить на него подарки и деньги. На ярмарках в них играли — соревновались, кто дальше бросит и не разобьет. Пряниками традиционно завершали поминки.

Точное время возникновения выпечки печатных пряников в Городце неизвестно, но определенно о местном пряничном промысле можно говорить применительно к концу XVIII века. Выпекать пряники местных научили соседи из Василёвой слободы (современного Чкаловска). Технология была довольно простой: тесто замешивали в кадках и раскатывали на широких столах, а затем вдавливали в резную доску, чтобы отпечатать нужный рисунок. Небольшие пекарни располагались при жилых домах. К концу XIX века в городе было 15 заведений по выпечке пряников, в которых работали потомственные мастера. На всероссийской выставке 1896 года в Нижнем Новгороде были представлены особо популярные пряники Александра Максимовича Бахарева. История сохранила фамилии и других потомственных мастеров, преимущественно старообрядцев: Глазуновы, Беляевы, Лемеховы, Щербаковы.

В Городце готовили до 30 разных пряников — медовые, сахарные, ореховые, фруктовые, вишневые… Больше всего их любили дети, поэтому изделия часто выпекали с изображениями птиц, рыб и фантастических зверей. Маленький круглый пряник называли жемкой, — видимо, потому что тесто для него скатывали на ладони. Пряник в форме трапеции был известен как «городецкий косяк». Особо выделяли «битые» пряники весом до пуда (16,4 кг) — такие делали только в Городце, и это было характерной чертой местного промысла.

Городецкий пряник преподнесли на свадьбу последнему русскому императору. Николай Александрович и Александра Федоровна получили от местных старообрядцев огромную ковригу с государственным гербом, которая весила почти 20 кг.

В 1920-е годы была артель «Красный пряничник», а в 1956 году ее преобразовали в Городецкий пищекомбинат. С 1978 года здесь выпускают фирменное изделие — пряник «Городецкий сувенир». Затем в 1990-е годы предприятие продали частному лицу. На сегодняшний день кроме традиционных пряников завод выпускает театральную помадку «Рококо» и шербет. Во все времена одно остается неизменным — высокое качество лакомства.

Золотное шитьё

«…Из рукоделий в общине особенно замечательно и наиболее развито шитье золотых и серебряных плащаниц, облачений и других церковно-богослужебных вещей и отделка и украшение образов золотым шитьем, жемчугом, фольгой и цветами».

«Историческое описание Алексеевской женской общины». 1866 год

Золотная вышивка – еще один из наиболее известных и популярных видов русского декоративно-прикладного искусства. Есть такая история: швея Александра Подсосова, дочь богатого арзамасского купца, полюбила простого приказчика. Отец не дал согласия на брак. Влюбленные решили сохранить верность друг другу и приняли постриг: он ушел в Саровскую пустынь, она — в Алексеевский монастырь. Одна из работ Александры — чудотворная икона Казанской Божьей Матери, расшитая золотом и камнями, — до сих пор хранится в арзамасском Воскресенском соборе.

Золотным шитьем занимались не только в Алексеевском монастыре. Долгие годы в Спасо-Преображенском мужском монастыре хранилась архимандритская шапка из малинового бархата. Она была расшита золотом и бахромой, украшали ее девять серебряных образов, восемь изображений херувимов, 850 жемчужин, 45 целых камней и 123 половинки. После революции шапка исчезла, но известно, что вышили ее мастерицы из Николаевского монастыря в Арзамасе. Мастерские находились в специально отведенных кельях, при монастырях обучались жительницы города и ближайших сел.

Вышивали «золотной нитью» — металлической, покрытой сусальным золотом, или серебряной. Фоном служили самые дорогие ткани — парча, бархат, шелк, кисея. Для декора использовали бахрому, бисер, блестки, тесьму, камни-самоцветы. У каждой швеи был свой собственный стиль, но орнамент оставался типичным — цветы и травы среднерусской полосы. Вышивали двумя способами: «влом» (узор заполнял все) или «на проем» (ткань виднелась сквозь рисунок).

Заказы поступали со всей России — от Вятской губернии до Сибири. Рубашки, платки, оклады к иконам отправляли и за границу — в Молдавию, Грецию, Иерусалим, Константинополь. Для церквей монахини вышивали облачение, плащаницы, покрывала на престол. Украшали они и крестьянскую праздничную одежду: кокошники, платки, передники, сарафаны.

Продолжателем традиций древнерусского золотошвейного искусства стала городецкая золотная вышивкаА. Наибольшую популярность этот промысел получил в XIX веке, когда его изделия стали украшать интерьеры жилищ богатых горожан. Вышивкой украшали и одежду, особенно платки и душегреи. Городецкие мастерицы по сей день сохраняют традиции орнамента сказочных «размётных трав» или растительных мотивов, раскрывающих красоту окружающей природы. Длинные тонкие петли листьев и маленькие блестки вместе с просвечивающим ярким фоном шелка создают необычную среду узора, через которую проступают крупные, пышные искрящиеся цветы и сочные гроздья винограда — излюбленные мотивы городецкой вышивки. Сегодня традиции золотной вышивки продолжает ООО «Городецкая золотная вышивка».

Балахнинское или балахонское кружево

Балахонское кружево по праву считается одним из самых изысканных и дорогих видов кружевного искусства в России, являясь символом традиционной русской культуры и народного ремесла.

«…В самой Балахне мещанки занимаются изготовлением шелковых блонд и нитяных кружев весьма замечательной отделки. Я не берусь сравнивать здешние кружева с брюссельскими кружевами и с валансьенскими блондами, но, сколько мне случалось видеть на своем веку этого товара, балахнинские произведения далеко обогнали саксонские изделия этого рода; а что касается до цен, то, по всей вероятности, балахнинские кружева не уступят, а еще превзойдут по своей дешевизне цены французских и бельгийских кружев».

Павел Небольсин. «Рассказы проезжего о странствованиях по Заволжью, Уралу и по Волге». 1853 год

По легенде, кружево с алыми розами на золотисто-бежевом фоне заказала у местных мастериц Екатерина II, а век спустя королева Виктория купила балахнинские кружева, чтобы украсить свое свадебное платье.

Промысел зародился в конце XVII века, когда Петр I направил в Балахну иностранев-кораблестроителей, которые привезли с собой моду на европейский костюм с кружевами. Местные жительницы перерабатывали французские и бельгийские орнаменты — и так постепенно сложился «балахонский манер», особый местный стиль плетения кружев. По другой версии, — правда, не подтвержденной документами, — вместе с иностранцами приехали их жены, умевшие плести кружева и обучившие этому ремеслу местных жительниц.

Особенностью балахонского кружева была многопарная техника плетения – самая сложная и трудоёмкая. В ней применялось большое количество коклюшек, доходящих до 300 пар. Ценность кружева зависела от чистоты плетения, веса, количества используемых коклюшек. Летом женщины стояли за станком с 5 утра до 8 вечера, зимой — с 8 утра до полуночи. Чего только не делали нижегородские мастерицы — рюши, шарфы, шапочки, перчатки, галстуки, кофты, платья и косынки с виноградным узором, пользовавшиеся особой популярностью. В орнаменте преобладали растительные элементы — деревья, цветы, плоды. Главными мотивами стали «балахонская роза» и «огурец».

Мы привыкли к светлому кружеву, но в Балахне его плели преимущественно из черных нитей. Больше всего ценилось кружево из шелка. В качестве материала также закупали хлопок и лен.

Кружево из Балахны, уездного города в Нижегородской губернии, считалось лучшим в Российской империи, потому, не очень добросовестные торговки в XIX веке зарабатывали тем, что закупали московское кружево, разъезжали по городам и продавали его под видом балахнинского.

К большому сожалению, уже к XX веку производство кружева в городе начало приходить в упадок, в основном из-за высоких цен на сырье и особенно сложной технологии, на работу над которой уходило много времени и сил. Была принята попытка открыть школу мастериц кружева, но просуществовала она всего несколько лет и вскоре была закрыта.

Обработка металла как вид декоративно-прикладного искусства с давних времен представлен в Нижегородском крае своими традициями металлообработки. Они сложились на базе кустарных промыслов, имеющих многовековую историю. Так, в селе Чулково Вачского района мастерили обитые железом сундуки для продажи на Нижегородской ярмарке, в Пурехе Чкаловского района и Лыскове отливали медные колокольчики.

Пурехские колокольчики

«Вот мчится тройка удалая вдоль по дороге столбовой,
И колокольчик, дар Валдая, гудит уныло под дугой».

Федор Глинка. «Тройка». 1825 год

Валдай был первым и главным центром колоколо-литейного промысла, но колокольчик, звенящий в романсе на музыку Алексея Верстовского, вполне мог оказаться и пурехским. Первые мастера села Пурех, крестьяне Трошины и Веденеевы, отливали на своей продукции надпись «дар Валдая», чтобы товар лучше расходился на рынке: пурехские колокольчики появились позже остальных, только в 1830–40-х годах. К тому моменту в Касимове, Рязани, Тюмени, Слободском уезде Вятской губернии и селе Павлове производство давно было налажено. Однако к концу XIX века пурехские колокольчики вытеснили с рынка всех конкурентов.

Ассортимент был огромный: бубенчики, «подшейники», «парные», «рыбацкие», «сибирские», «новосибирские», «московские», «казанские», «на заграничный манер». Но больше всего прославились «поддужные» — миниатюрные копии церковных колоколов. Продукцию украшали растительным орнаментом, изображениями двуглавых орлов, а бывало, и портретами императоров. Самым популярным героем рельефа был Георгий Победоносец. Печатными буквами или старинной вязью делали надписи: «Купи, не скупися, езди, веселися!» На свадебных или подарочных колокольчиках писали: «Кого люблю, того дарю» или «Подай голосок тому предмету, кого милее нету».

Но главным, конечно, было звучание — оно зависело от формы, размера, толщины и качества отливки. Как правило, колокольчики делали из меди и олова в соотношении 4/1. Различали множество оттенков звона — малиновый, серебряный, шиллеровский, глинкинский, валдайский. Ямщики выбирали колокольчики не случайно, а так, чтобы басы, альты и теноры дополняли друг друга. Тональность зависела от случая: свадебная тройка звенела мажорно, рекрутская — минорно. Считалось, что пуреховские колокольчики самые долгоиграющие – их звон длится до 40 секунд.

Когда началась Первая мировая война поставки меди прекратились. А своего металла в Пурехе никогда и не было. Постепенно сокращалось производство, уходили надомники... И теперь Пурехский колокольчик — исчезнувший промысел.

Павловские ножи

Одним из центров кузнечного и ножевого промыслов был и остается древний город Павлово на Оке.  В Павлове и окрестностях исстари делали многообразные столовые приборы, известные на всю Россию.

«Кому не известны павловские изделия? Почти всякий из нас обедает с павловским ножом и вилкою, чинит перо павловским ножичком, носит платье, скроенное павловскими ножницами, запирает свои пожитки павловским замком; с некоторых пор и бриться стали павловскими бритвами».

Павел Мельников-Печерский. «Павловская промышленность». 1851 год

Есть такая легенда. Черт задумал устроить ад на земле, обернулся немцем, явился к графу Шереметеву, который владел селениями в Павловском округе, и предложил устроить железный завод. Граф согласился, построил завод и как-то решил посмотреть на работу крепостных. Увидев чудовищные условия, Шереметев велел разрушить завод, чтоб «камня на камне не осталось от этого адского здания». Прежде чем выполнить приказ, крестьяне запаслись материалами — так в Павлове стал развиваться кустарный промысел по обработке металла.

Первые кузницы появились здесь еще в XVI веке. Три столетия спустя сложился Павловский сталеслесарный район: если раньше «ножички» делали только в Павлове и Ворсме, то теперь этим занимались в 33 окрестных селениях (позже их будет более 100, включая уезды Владимирской губернии). Павлово стали называть русским Шеффилдом — по аналогии с английским городом, известным своим сталелитейным производством.

Павловцы ковали ножи на все случаи жизни — перочинные, складные, садовые, сапожные, рыбацкие, хлебные, поварские… На ручках красовались перламутр, яшма, кость.

В Павловском районе мирно сосуществовали фабрики и кустарное производство. Дело в том, что они ориентировались на разные группы покупателей: кустари делали ножи для простых людей, а заводы выпускали изящные изделия. Крупным павловским фабрикантом был Федор Варыпаев: единственный из местных предпринимателей, он имел звание поставщика двора Его Императорского Величества. Кроме того, он трижды (в 1865, 1882 и 1896 годах) удостаивался права ставить на своих изделиях печать с гербом Российской империи. Впрочем, тут его обогнали фабриканты Завьяловы, уроженцы села Ворсма: в 1896 году на XVI Всероссийской промышленно-художественной выставке они получили право ставить на свою продукцию государственный герб в пятый раз. Сегодня эти традиции успешно продолжает ОАО «Павловский ордена почета завод художественных металлоизделий им. Кирова».

Павловские замки

Город Павлово знаменит и тем, что здесь ученики Павловского училища изготовили царь-замок весом почти 400 кг., который включен в книгу рекордов Гиннеса, в музее находится уникальная микроскопическая механическая золотая блоха, а центральную площадь города украшает памятник кузнечного искусства – кованное дерево – лимон.

«Весь город состоит почти только из кузнецов, их подмастерья разносят в округе на продажу разные железные вещи и между ними маленькие, как горошины, замочки и другие небольшие, как белый турецкий боб. Все они с ключами и очень чисто и тщательно сделаны, так что их можно отпирать и запирать».

Филипп Иоганн Страленберг. «Северная и восточная часть Европы и Азии». 1730 год

В XVII веке павловские кузнецы производили в основном огнестрельное оружие. Однако в XVIII веке Петр I взялся за создание регулярной армии, и у них появились слишком серьезные конкуренты — тульский и уральские заводы. Тогда павловские кустари переключились на мирный промысел — в первую очередь висячие замки, а также ножи и ножницы.

XIX век стал временем расцвета замочного производства в селе, а к началу XX века ассортимент расширился: всего появилось до 150 видов замков. Самым старым был тульский, или винтовой, замок, напоминающий цилиндр. Большой популярностью пользовался шведский замок, который ценили за надежность: к нему невозможно было подобрать дубликат ключа. Со Швецией, правда, его связывало только название. Округлый замок, которым мы пользуемся до сих пор, называли репчатым — считалось, что он похож на разрубленную репу. Часто встречались фигурные замки в виде коньков. Плоским силуэтным замкам придавали более сложные формы — птицы сирин, двуглавого орла, уробОроса, скрипача.

Ходили слухи, что местные мастера умели отливать замочки размером в горошину: 320 штук весили не больше золотника, то есть 4,2 грамма. Самый крохотный из них весил всего 0,7 грамма. Такие замочки называли ошейными, потому что на них запирали собачьи ошейники. Говорят, их использовали и как звенья цепочки для карманных часов.

Интересно, что вплоть до революции замки мастерили только вручную — в отличие от ножей, которые производили и на фабриках. Дело в том, что процесс изготовления замка было сложнее разделить на операции. Один кузнец в неделю вырезал до 75 замков. На деле вместе с ним трудилась вся семья — и женщины, и дети от восьми лет.

Сегодня, к сожалению, о павловских замках знают лишь музейные специалисты да немногочисленные коллекционеры.

Казаковская филигрань

«Ажурный узор филиграни мороз на стекле изваял...
Пейзаж на туманном экране покоя душе не давал...»   

Владимир Сергеев

Ювелирная фабрика, которая сложилась на основе местных промыслов, в области одна — в селе Казаково Вачского района. Казаковцы освоили технику зерни — украшения поверхности наплавленными шариками металлов и филиграни — спаивания узоров из тонких проволочек, иногда в сочетании с эмалями, при которой рельефные металлические орнаменты оживляются вкраплениями ярких красок. Первая Казаковская артель по производству сканных изделий была образована в 1939 году. Сюда для организации Казаковской артели «Металлист» была направлена выпускница Красносельской профтехшколы Ольга Ивановна Тараканова – художник, специалист по филиграни. Вместе с мужем они создали филигранный цех, а собственно история казаковской филиграни началась с подстаканника, выполненного Ольгой Ивановной и ее двенадцатью ученицами. В годы Великой Отечественной войны артель не прекращала своей работы: плели офицерские погоны, делали для них звездочки, изготавливали портсигары. В послевоенное время — освоили ножевое и вилочное производство. И только с середины 1950‑х годов сложились характерные черты казаковской филиграни. Декоративные панно и тарелочки, вазы и конфетницы, подстаканники, шкатулки, разнообразные сувениры, значки и медали – все эти изделия выполняются только вручную, и все они полностью ажурные.

Сегодня традиции сканного искусства продолжает и развивает Казаковское предприятие художественных изделий.

Народная промысловая игрушка – особый пласт культуры Нижегородского края.

Считается, что деревянная игрушка в Нижегородской губернии начиналась с ложкарного дела. Ложкари отлично умели работать с деревом, и у них оставалось много обрезков. По легенде, чтобы дети не отвлекали родителей от работы и не мешались под ногами, взрослые начали вырезать им деревянные фигурки. Их делали с помощью топора и деревянного ножа. А уже с пяти-шести лет дети вырезали игрушки сами.
В древности люди верили, что солнце может принимать облик коня. Изображение лошади использовали как оберег: коней рисовали на предметах и вырезали из дерева, чтобы они охраняли дом от несчастий.

«Он бодро шел, жевал калач, в подарок нес жене кумач.
Сестре платок, а для детей в сусальном золоте коней».

Николай Некрасов. «Кому на Руси жить хорошо». 1863–1877 годы

Эти представления нашли отражение в новинской игрушке. В начале XIX века в окрестностях села Новинки вырезали плоских двуглавых коней, фигурки людей и животных, которые имели много общего с изделиями Древнего Египта и средневековой Европы.

Мастерили в Новинках и другие игрушки: каталки-колески, каталки-вертушки, каталки-меленки и кузнецов на подвижных планках. Все они приводились в движение с помощью простых механизмов: в каталке-вертушке вращались дощечки с конями, а в каталке-меленке — два барабана, к которым крепились птички на палочках.

Во второй половине XIX века возник новый тип деревянной игрушки — кони, запряженные в яркие коляски и кареты. Материалом служила сосна, ель или осина. Новинские кони отличались круто выгнутыми шеями. Упряжь и седло были зеленого, желтого, розового цветов, гриву красили сусальной позолотой, сама повозка снаружи была лиловая, вишневая, малиновая, коричневая или черная, а внутри — ярко-красная.

Игрушки расписывали ромбами, кругами, волнистыми линиями, крестами. Когда-то это были символы (солнца, земли, воды и ветра и так далее), но со временем эти смыслы забылись.

В 1928 году была организована Новинская промартель (промколхоз) «Правда»,куда входили ложкари и кустари-игрушечники. В 1947 году артель игрушечников была ликвидирована. Об игрушках стали постепенно забывать.

Сегодня здесь возрождается забытое ремесло: открылся Музей Новинской деревянной игрушки, экспозиция которого рассказывает об истории этого вида декоративно-прикладного искусства.

СЕМЕНОВСКАЯ МАТРЕШКА

«С осанкой гордой, величавой, стоит матрешка — дух Руси.
И взгляд ее направлен прямо. В ней светят мудрости лучи».

Татьяна Подцветова

Русская народная игрушка уже в начале XX века проникла за пределы российского государства, а во второй половине века нарядная розовощекая СЕМЕНОВСКАЯ МАТРЕШКА стала считаться за рубежом символом России. Версий появления семеновской матрешки, как самостоятельного по стилистике исполнения изделия народного промысла, существует несколько. По одной из них, прототипом будущей игрушки-сувенира стала привезенная из Японии художником-передвижником (неким Малютиным) фигурка старца-мудреца Фукуруму. Именно благодаря усилиям Малютина, а также приглашенного им к участию в проекте российского мастера Звездочкина, на свет появилась забавная кукла из древесины. Основная фигурка первой матрешки была выполнена в образе матери-Матрены, а остальные 8 фигурок, компактно вмещаемые друг в друга – в образе ее дочерей и спеленутого младенца.

Произведя колоссальное впечатление на посетителей Всемирной Парижской выставки, прошедшей в 1900 г., матрешка обрела внезапную и вполне заслуженную популярность. Сразу после этого производство забавной игрушки было неофициально запущено в ряде российских городов и сел, одним из которых и стал Семенов. Со временем (по данным историков в 1924 г.), семеновская матрешка обрела свою самобытность и уникальную стилистику.
 

Полховско-майданская роспись сложилась относительно недавно на рубеже ХIХ-ХХ вв.

«Тарарушки-матрешки совсем не похожи на магазинных матрешек… Не ровные глазки, не бровки, тщательно вырисованные, не волосы, разделенные четким пробором, не губки бантиком, а слету, смаху, как серпом прорезанные, очи-глазищи, ухарские завитки волос, по одной условной черточке для обозначения носа и губ, и яркие, крупные, броские цветы на платье, какие-то огромные сказочные цветы».

Юрий Арбатов. «Путешествие за красотой», 1960-1970 годы

Выполняется она анилиновыми красками с преобладанием ярко-розовой, желтой, зеленой, фиолетовой на предметах кухонной утвари, игрушках-тарарушках, небольших сувенирах, матрешках. Любимые темы — орнаменты из цветов, нарочито небрежно нарисованные условные деревенские пейзажи. В 1920-1930 гг. было налажено производство расписных выточенных на токарных станках игрушек — свистулек, матрешек, яиц, балалаек, грибов, самоварчиков, которые были названы "тарарушками". Село Полховский Майдан, ставшее в 1950-х гг. центром нового промысла, получило широкую известность. Сверкая радугой ярких анилиновых красок и лаком, чудесные игрушки отсюда расселились по многим городам России. Они сразу же полюбились детям своей яркостью, наивной простотой и свежим восприятием мира, где бегут по небесам розовые и голубые тучки, крутятся дивные мельницы, поют радостные птицы.

Нижегородская область – один из ведущих центров современного народного декоративного искусства, родина многих художественных промыслов, чьи изделия известны не только в нашей стране, но и далеко за ее пределами. Каждый из перечисленных промыслов – живой, уникальный бриллиантик в сияющей на весь мир короне российских промыслов. Сегодня тысячи мастеров – ткачи и вышивальщицы, металлисты и ювелиры, резчики и мастера росписи по дереву – старательно возрождают и развивают традиции старинного искусства.

С 2022 года Указом Президента РФ 18 июня установлен День народных художественных промыслов России.

Нам есть чем гордится. В нижегородских народных художественных промыслах сохранены вековые культурные и исторические традиции нашей страны. И наша задача — не только сохранить и развить их, но и передать будущим поколениям!